Storystruktur: Warum fast alle Modelle dieselbe Form haben

Teil von Storytelling · Teil 6 von 12

Ian Bousher schreibt Geschichten für Videospiele. Er hat alle Story-Modelle gesammelt, die er finden konnte: die Drei-Akt-Struktur, die Heldenreise, Ratgeber wie Save the Cat und Modelle, die über 2.000 Jahre alt sind. Dann hat er sie untereinander in ein einziges Schaubild gelegt. Dreißig Zeilen, jede ein Modell.

Das Ergebnis sieht man auf den ersten Blick. Fast alle Zeilen haben dieselbe Form. Die Namen sind verschieden, die Stellen sind gleich.

Storystruktur, auf Deutsch auch Dramaturgie, ist die Reihenfolge, in der eine Geschichte ihre Teile anordnet: wo sie anfängt, wo sich etwas dreht, wo sie endet. Was eine Geschichte überhaupt ist, steht in Was ist eine Geschichte?. Hier geht es darum, wie du ihre Teile zusammensetzt.

Dreißig Modelle, eine Form

Boushers Schaubild teilt jede Geschichte in vier gleich lange Akte. Akt I ist der Anfang. Akt II und III sind die Mitte. Akt IV ist das Ende. Ein Akt ist ein großer Abschnitt einer Geschichte, an dessen Ende sich die Lage der Hauptfigur deutlich ändert.

Liest man die Zeilen von oben nach unten, fallen zwei Stellen auf.

Im ersten Viertel passiert etwas, das alles in Gang setzt. Gemeint ist immer dasselbe: Etwas passiert, und die Figur muss reagieren. Jedes Modell hat dafür ein eigenes Wort. Bei Syd Field heißt es „auslösendes Ereignis“, bei Save the Cat „Katalysator“, in der Heldenreise „Ruf des Abenteuers“. Dan Harmon, Miterfinder der Zeichentrickserie Rick and Morty, nennt es einfach: Die Figur braucht etwas.

Kurz vor dem letzten Viertel kommt die große Wende. Oft ist es der Tiefpunkt, an dem alles verloren scheint. Save the Cat nennt ihn „Alles ist verloren“. Bei Michael Hauge, einem Drehbuch-Berater, heißt er „großer Rückschlag“.

Dazwischen liegt die Mitte. Dort wird es schwieriger, enger, gefährlicher. Danach folgt die Auflösung.

Am kürzesten sagt es eine Zeile aus Hollywood. Sie wird dem Regisseur Billy Wilder zugeschrieben (Manche mögen’s heiß). Sie hat nur drei Teile:

1. Bring deine Figur auf einen Baum.
2. Zünde den Baum an.
3. Hol die Figur wieder runter.

Der Drehbuchautor Aaron Sorkin hat eine Variante. Statt Feuer wirft er Steine nach der Figur.

Die Modelle unterscheiden sich vor allem darin, wie fein sie sind. Wilder braucht drei Schritte, Save the Cat fünfzehn, der Drehbuchlehrer John Truby zweiundzwanzig. Sie beschreiben dieselbe Form, nur unterschiedlich genau.

Eine Zeile im Schaubild ist gar keine Geschichte: die wissenschaftliche Methode. Problem, Recherche, Hypothese, Experiment, Auswertung, Ergebnis. Auch sie passt in das Raster. Dieselbe Form trägt also auch ein Experiment. Für Creator, die Selbstversuche oder Tests drehen, ist das eine gute Nachricht.

Wo die Modelle wirklich anders sind

Ein paar Zeilen weichen ab. Sie zu kennen, schützt dich davor, eine Form für die einzig mögliche zu halten.

Freytag setzt den Höhepunkt in die Mitte. Gustav Freytag hat im 19. Jahrhundert beschrieben, wie Theaterstücke gebaut sind. Bei ihm steigt die Handlung bis zur Mitte an, dort liegt der Höhepunkt. Danach fällt sie wieder: Umkehr und Katastrophe. Die Filmmodelle setzen den Höhepunkt dagegen kurz vor das Ende.

Kishōtenketsu kommt ohne Gegner aus. Die vier Teile dieser ostasiatischen Form sind Einführung, Entwicklung, Wendung und Abschluss. Wie das funktioniert, steht in Geschichte ohne Konflikt.

Manche Zeilen sind Kurven, keine Schritte. Der Schriftsteller Kurt Vonnegut zeichnete Geschichten als Linie zwischen Glück und Pech. Seine Formen stehen in Der Startpunkt.

Eine Einschränkung gilt für das ganze Schaubild. Die vier gleich langen Akte sind Boushers Raster. Er hat jedes Modell daraufgelegt, damit man sie vergleichen kann. Die Autoren selbst teilen ihre Modelle nicht alle so ein.

Warum fast alle gleich aussehen

Will Storr hat Sachbücher über Psychologie geschrieben und gibt Kurse für Autoren. In The Science of Storytelling stellt er eine einfache Erklärung auf: Die meisten Rezepte für Geschichten sind Varianten des Aufbaus in fünf Akten. Und der ist erfolgreich, weil er der effizienteste Weg ist, zu zeigen, wie sich ein Mensch verändert.

Storr fasst die fünf Akte als fünf Sätze der Hauptfigur zusammen:

1. Das bin ich, und es funktioniert nicht.
2. Gibt es einen anderen Weg?
3. Ja. Ich habe mich verändert.
4. Aber halte ich den Schmerz der Veränderung aus?
5. Wer werde ich sein?

Die Figur glaubt etwas Falsches über sich oder die Welt, zum Beispiel „Ich kann nicht laufen“. Die Geschichte stellt diesen Glauben auf die Probe, bis er zerbricht. Dann muss die Figur neu entscheiden, wer sie ist. Was in Akt III passiert und warum die Handlung danach zurückschlägt, steht in Eskalation. Wie sich eine Figur ändert, steht in Der Figurenbogen.

Die Regel ist alt. Schon der römische Dichter Horaz schrieb: Ein Stück soll weder kürzer noch länger als fünf Akte sein. Storr kennt das vom Autor John Yorke.

Das erklärt, warum die dreißig Zeilen so ähnlich aussehen. Wer eine Veränderung zeigen will, braucht einen Auslöser, eine Prüfung, eine Wende und ein Ergebnis. Viel anders lässt sich das kaum anordnen.

Struktur ist kein Formular

Die gemeinsame Form ist kein Rezept. Das sagt ausgerechnet einer, der selbst Strukturen lehrt. Robert McKee unterrichtet seit Jahrzehnten Drehbuchautoren. In seinem Buch Action (mit Bassim El-Wakil) unterscheidet er Form und Formel. Eine Form ist ein allgemeines Muster, in das sehr viele verschiedene Geschichten passen. Eine Formel ist ein enges Rezept, das genau vorschreibt, wie man das Muster ausführt.

Sein warnendes Beispiel ist die Whammo-Tabelle. Vor über fünfzig Jahren werteten Forscher des Filmstudios Columbia Pictures die Einnahmen ihrer Filme aus. Ergebnis: Erfolgreiche Filme hatten sechs bis acht große Wendepunkte statt der üblichen drei oder vier. Daraus baute das Studio eine Tabelle, die die Wendepunkte nach Seitenzahl festlegte. Jedes eingereichte Drehbuch wurde damit verglichen. Was nicht passte, ging zurück.

Laut McKee drehte Columbia deshalb weder Rocky noch Einer flog über das Kuckucksnest, weder Der Pate noch Star Wars. 1980 schaffte ein neuer Chef die Tabelle ab.

McKees Fazit für Autoren: Konventionen sind keine Regeln. Das Publikum mag diese Muster, aber es verlangt sie nie. Warum er die Heldenreise besonders kritisch sieht, steht in Die Heldenreise.

Für dich heißt das: Nimm die Form als Prüfwerkzeug, nicht als Bauplan. Wenn ein Video nicht trägt, schau nach, welcher Teil fehlt. Füll nicht Minute für Minute ein Raster aus.

Dramaturgie im Video: Wie viel Struktur braucht ein 10-Minuten-Video?

Ein Film dauert zwei Stunden. Dein Video vielleicht zehn Minuten. Es braucht die Form, aber nicht die fünfzehn Schritte von Save the Cat. Meistens reicht Wilders Baum.

Ein Beispiel: Ein Fitness-Coach erzählt in zehn Minuten die Geschichte seines Klienten Konstantin.

• Baum (bis etwa 2:30): Konstantin meldet sich für einen Zehn-Kilometer-Lauf in acht Wochen an. Er ist seit Jahren nicht gelaufen und hat Angst, als Letzter anzukommen. Das ist der Auslöser.
• Feuer (2:30 bis etwa 7:30): Konstantin schiebt das Training auf. Er kauft stattdessen Schuhe, eine Uhr und einen Laufplan. Die Wochen vergehen. Der erste Lauf endet nach zwei Kilometern. Bei etwa 7:30 schreibt er dem Coach: „Ich melde mich ab. Das wird nichts.“ Das ist die Wende.
• Runter (7:30 bis 10:00): Der Coach schlägt vor, den Lauf mit Gehpausen anzugehen. Was Konstantin antwortet und wie der Lauf ausgeht, ist die Auflösung.

Die Minutenangaben sind nur umgerechnet. Ein Viertel von zehn Minuten sind 2:30, drei Viertel sind 7:30. Eine Regel für YouTube ist das nicht, eher ein Startpunkt für die Planung. Im Video kommt der Auslöser meist früher. Das Intro muss in den ersten Sekunden zeigen, worum es geht. Mehr dazu in Das Intro bestätigt den Klick. Was die Mitte trägt, steht in Die Mitte. Wie ein Video gut endet, steht in Das Ende.

Auch ein Tutorial oder ein Kommentar folgt oft dieser Form. Das Problem des Zuschauers ist der Baum. Die Versuche, die scheitern, sind das Feuer. Die Lösung holt ihn runter. Wie du das Gerüst deines Videos vor dem Dreh festlegst, steht in Das Videokonzept.

Fünf Werkzeuge für den Aufbau

Die fünf Artikel dieses Teils gehen jeweils eine Ebene genauer:

• Die Drei-Akt-Struktur: Michael Hauge legt fest, bei wie viel Prozent einer Geschichte die Wendepunkte liegen. Der Artikel rechnet sie auf Videos um.
• Der Story Circle: Dan Harmons Kreis in acht Schritten. Eine Figur geht los, findet etwas und kommt verändert zurück.
• Die Heldenreise: Das bekannteste Modell. Wann es zu einem Video passt und wann es aufbläht.
• Die Szene: Die kleinste Einheit des Aufbaus. Jede Szene dreht einen Wert, zum Beispiel von Hoffnung zu Verzweiflung.
• Die Serie als Geschichte: Wenn nicht ein Video die Geschichte erzählt, sondern dreißig. Dann ist die erste Folge der Hook.

Übung: Leg dein Video auf den Baum

1. Nimm dein nächstes Video. Ein Skript, eine Stichpunktliste oder das letzte fertige Video.
2. Schreib drei Sätze. Was bringt die Figur auf den Baum? Was zündet ihn an? Was holt sie runter? Die Figur kannst auch du selbst sein.
3. Prüf den Auslöser. Steht er im ersten Viertel? Wenn er erst in Minute fünf kommt, ist die erste Hälfte Vorlauf.
4. Prüf die Wende. Gibt es vor dem Ende einen Moment, in dem es am schlechtesten aussieht? Wenn nicht, fehlt dem Feuer die Hitze.
5. Streich, was keinem der drei Sätze dient.